Comment positionner et orienter le corps pour de meilleurs portraits

Apprendre à collaborer avec des modèles implique un ensemble de compétences spécifiques englobant plusieurs éléments. Tout d’abord, il est essentiel de maîtriser les bases de l’éclairage, de la théorie des couleurs et de la composition afin de mettre en valeur votre modèle et ses traits. De plus, il est crucial d’apprendre à diriger et à communiquer efficacement avec le modèle pour que ses poses subliment votre image, plutôt que de paraître maladroites ou distrayantes. C’est précisément ce que nous allons explorer aujourd’hui.

Les bases du travail avec un modèle

Avant d’explorer les différentes techniques de pose, il est essentiel de comprendre comment travailler avec un modèle. En tant que photographe, vous êtes non seulement responsable de l’éclairage, de la prise de vue et de la retouche, mais vous devez également assurer la direction du modèle.

Voici un guide rapide pour tirer le meilleur de votre sujet :

1. Planification : Lors de la préparation de votre séance, il est essentiel de bien informer le modèle sur le style recherché et les attentes. Envoyez-lui une planche d’inspiration pour illustrer l’ambiance souhaitée et partagez des exemples de poses à reproduire. Une communication claire en amont garantit une séance fluide et des résultats harmonieux.
2. Mise en confiance: À son arrivée sur le plateau, laissez au modèle quelques instants pour se détendre. Un excellent moyen d’y parvenir est de s’asseoir avec lui, de lui offrir une boisson et d’échanger quelques mots. Cela permet non seulement de l’apaiser, mais aussi de créer un lien de confiance. Il se sentira ainsi bien plus à l’aise, plutôt que d’être précipité directement devant l’appareil photo.
3. Revue des prises: Il est toujours utile de montrer au modèle les premiers clichés réalisés. Cela vous permet de faire un point sur le rendu, tout en lui donnant l’occasion d’évaluer sa performance. Le modèle comprend que les photos sont encore à l’état brut et qu’un travail de post-production reste à faire avant d’obtenir le résultat final. À ce stade, l’objectif est simplement d’identifier les points à améliorer.
4. Pauses régulières: Assurez-vous d’accorder des pauses fréquentes au modèle. La dernière chose que vous souhaitez est qu’il affiche des signes de fatigue au fil de la séance. Enchaîner les poses peut être éprouvant, surtout lorsque des vêtements serrés ou inconfortables sont impliqués. De plus, l’exposition répétée aux flashs lumineux peut provoquer une fatigue mentale.

L’idéal est que le modèle soit aussi détendu et confortable que possible afin de donner le meilleur de lui-même. Profitez des pauses pour retoucher le maquillage et la coiffure ou pour effectuer des changements de tenue.

Réaliser un shooting photo est une expérience enthousiasmante, et l’envie d’explorer toutes nos idées peut nous pousser à aller trop vite. Pourtant, prendre le temps de faire des pauses et de mettre le modèle en confiance permet non seulement d’obtenir de meilleures images, mais aussi de travailler avec un modèle plus épanoui et performant.

Techniques clés de pose

Constituez-vous un répertoire de poses que vous pourrez utiliser pour guider votre modèle et éviter ainsi de manquer d’inspiration pendant la séance. Enregistrez ces idées dans un dossier sur votre téléphone ou ordinateur pour y accéder facilement. Pensez à cet ensemble de poses comme à une chorégraphie : il permet à votre modèle d’enchaîner fluidement vos poses préférées, optimisant ainsi le déroulement du shooting.

Debout

Commençons par les compositions en pied. Il est essentiel de s’assurer que la pose soit flatteuse tout en ajoutant de l’intérêt et de la profondeur à l’image.

Pose trois-quarts

Cette pose classique consiste à faire pivoter le modèle à 45 degrés par rapport à l’appareil photo tout en gardant le visage tourné vers celui-ci. Elle est particulièrement avantageuse car elle affine la taille et apporte plus de profondeur à la scène.

Répartition du poids

Demandez à votre modèle de répartir son poids sur une seule jambe. Cela permet d’obtenir une pose plus naturelle, d’éviter toute rigidité et d’ajouter des courbes harmonieuses au corps.

Mouvement

Les poses en pied intégrant du mouvement dynamique apportent de l’énergie à votre image. C’est particulièrement efficace pour des shootings nécessitant une sensation de dynamisme, comme une séance pour des vêtements de sport. Vous pouvez guider votre modèle pour qu’il simule la marche, la course ou des actions sportives. Pour une approche plus artistique, inspirez-vous de la danse et des mouvements gracieux. Vous pouvez accentuer l’effet de mouvement avec des vêtements amples et fluides ou en capturant les cheveux du modèle en pleine envolée.

Position des mains et des bras

"Que faire de mes mains ?"—une question bien connue, mais il existe de nombreuses solutions pour éviter des placements maladroits. Vous pouvez demander au modèle de poser ses mains sur différentes parties du corps : sur les hanches, autour du visage, dans les cheveux ou encore jointes devant ou derrière. L’essentiel est d’éviter des bras rigides et tendus. Si les mains sont placées le long du corps, assurez-vous qu’elles restent détendues et naturelles.

Créer des angles avec les membres

Pour éviter les poses rigides et artificielles, encouragez votre modèle à plier légèrement les coudes, les genoux et les poignets. Cela apporte du dynamisme à la composition et crée des lignes directrices qui attirent le regard. Par exemple, pour mettre en valeur le visage du modèle, demandez-lui de lever les bras vers celui-ci et de l’encadrer avec ses mains.

Poses assises

L’ajout de mobilier dans vos prises de vue permet d’explorer des compositions plus stylisées et d’ouvrir un éventail de nouvelles poses corporelles.

Posture et alignement

Sauf si vous photographiez une chaise de bureau pour promouvoir une posture parfaite, n’hésitez pas à être créatif avec les poses du modèle dans un fauteuil ou une chaise. Sortez des conventions et explorez différentes interactions avec l’environnement : inclinaison sur le côté, jambes relevées ou croisées, allongement à travers la chaise, ou encore une pose nonchalante appuyée sur le dossier. Ces variations peuvent aboutir à des compositions originales et captivantes.

Placement des mains et des bras

En position assise, les mains trouvent plus naturellement leur place et évitent de pendre maladroitement le long du corps. Elles peuvent reposer sur les accoudoirs, sur les genoux ou encore être utilisées pour encadrer le visage et créer des poses élégantes et visuellement impactantes.

Jambes

Étant plus proches du visage en position assise, les jambes peuvent être exploitées pour encadrer le sujet et créer des lignes directrices. Demandez au modèle de les plier ou de les croiser afin d’obtenir des poses dynamiques qui attirent l’attention sur lui.

Bien qu’il existe des cas où des poses rigides et symétriques peuvent fonctionner, notamment pour des compositions graphiques et décalées, la plupart du temps, il est préférable d’encourager des postures naturelles et fluides. L’idéal est que les membres du modèle servent à créer du mouvement et à orienter le regard vers son visage, garantissant ainsi des images harmonieuses et engageantes.

Utiliser les angles pour sublimer les portraits

Modifier l’angle de prise de vue peut influencer la perception du spectateur. Ces impressions sont souvent inconscientes, ce qui rend crucial le choix de l’angle en fonction des objectifs et du thème de votre séance :

• Niveau des yeux: Placer votre appareil photo au niveau des yeux de votre sujet permet d’établir une connexion plus forte entre le modèle et le spectateur. Cela donne une impression d’accessibilité et de proximité, rendant le modèle plus engageant et relatable.

• Angle haut: En inclinant votre appareil vers le bas, vous créez une toute autre dynamique. Ce type d’angle peut donner l’impression que le sujet est plus petit, plus vulnérable ou plus fragile aux yeux du spectateur. Ainsi, si votre objectif est de transmettre une image puissante et héroïque de votre modèle, il est préférable d’éviter cet angle.

• Angle bas: En orientant votre appareil vers le haut, vous obtenez une composition typique de la "pose du héros". Cet angle donne à votre modèle une apparence plus imposante, évoquant l’autorité et la puissance. Si vous souhaitez susciter le respect du spectateur envers votre sujet et renforcer les thèmes de votre séance, cet angle est idéal.

Votre choix d’angle doit être en accord avec l’atmosphère et le message que vous souhaitez transmettre. En portrait, les angles au niveau des yeux et en contre-plongée sont les plus couramment utilisés, car ils mettent davantage en valeur le modèle et marquent durablement l’esprit du spectateur. À l’inverse, les angles en plongée ont tendance à affaiblir la présence du sujet à l’image.

Erreurs courantes à éviter

Si, en examinant vos images, quelque chose semble ne pas fonctionner dans les poses de votre modèle, consultez ce guide pour éviter les erreurs les plus fréquentes lors d’un shooting portrait.

Erreur n°1 : La pose rigide et statique

Votre modèle est-il détendu et naturel devant l’objectif ? Faites attention aux tensions corporelles, en particulier au niveau des épaules et des membres. Parfois, l’expression émotionnelle prend le dessus et le corps semble imparfait—et ce n’est pas un problème ! Vous pouvez toujours utiliser un éditeur de photos de corps pour affiner l'image finale. En revanche, des poses figées et sans vie sont bien plus difficiles à corriger. Mieux vaut capturer des émotions authentiques et dynamiques, car aucun logiciel ne pourra recréer l’énergie d’un moment réel.

Erreur n°2 : Une posture trop forcée

Face à l’appareil photo, beaucoup de modèles deviennent excessivement conscients de leur posture et ont tendance à la surcorriger, adoptant ainsi une position artificielle. Vérifiez que le dos est droit, les épaules détendues et la poitrine légèrement relevée, mais sans qu’aucun de ces éléments ne semble forcé.

Erreur n°3 : Le dilemme des mains

Vous cherchez à capturer une pose forte et confiante, mais votre modèle garde les mains jointes devant lui ? La position des mains envoie un message non verbal qui peut entrer en contradiction avec le thème que vous souhaitez transmettre. Comme mentionné précédemment, veillez à ce que les mains s’intègrent naturellement à la composition.

Erreur n°4 : L’expression forcée

Le visage de votre modèle doit être en harmonie avec l’ambiance du shooting. Un sourire éclatant dans une atmosphère sombre et dramatique créera un décalage. Si l’expression faciale semble figée ou trop posée, invitez votre modèle à se détendre. Une légère inclinaison du menton vers le bas, un regard dirigé vers l’objectif, la langue posée sur le palais et les lèvres légèrement entrouvertes composent une expression flatteuse et naturelle.

Erreur n°5 : La pose exagérée

Des poses trop théâtrales ou artificielles peuvent donner une impression forcée et nuire à l’efficacité de votre shooting. Encouragez des mouvements plus subtils et progressifs, tout en veillant à ce que votre modèle reste à l’aise.

Erreur n°6 : Ignorer l’importance du langage corporel

Nous avons déjà évoqué l’importance des mains, mais il est essentiel de considérer l’ensemble du corps. La posture et l’orientation du modèle influencent directement l’interprétation de l’image par le spectateur. Familiarisez-vous avec les principes du langage corporel pour en tirer pleinement parti dans vos séances photo.

Erreur n°7 : Le photographe silencieux

Une bonne communication est essentielle pour un shooting réussi. Votre modèle ne peut pas voir son propre rendu—seul vous le pouvez—il est donc primordial de lui donner des indications claires. Fournissez des instructions simples et précises, tout en encourageant et en valorisant votre modèle après chaque prise de vue.

Certains modèles ont un répertoire de poses qu’ils enchaînent naturellement au son de l’obturateur, tandis que d’autres attendent vos directives. Dans tous les cas, votre rôle est de travailler en étroite collaboration avec eux pour affiner leurs poses. Après quelques prises, invitez votre modèle à venir voir les images sur votre appareil ou ordinateur afin de faire des ajustements ensemble.

Avec l’expérience, vous repérerez plus rapidement ces erreurs et saurez les corriger efficacement. Gardez à l’esprit qu’un modèle peut avoir besoin de temps pour s’échauffer. Pour cela, n’hésitez pas à commencer par une série de clichés tests, qui vous permettront d’ajuster votre éclairage tout en mettant progressivement votre modèle à l’aise.

En résumé

Apprendre à travailler avec des modèles est une compétence précieuse, distincte des aspects techniques de la photographie de portrait. En développant votre capacité à communiquer et à diriger efficacement votre modèle, vous obtiendrez des images plus percutantes et flatteuses.

Assurez-vous que votre modèle soit détendu, à l’aise et parfaitement informé de vos attentes en lui envoyant un plan détaillé avant la séance. Pendant le shooting, encouragez-le et maintenez une communication constante pour qu’il sache qu’il répond à votre vision. Il peut également être bénéfique de lui montrer quelques clichés au fur et à mesure, afin qu’il puisse évaluer sa propre performance.

En fin de compte, travailler avec des modèles est une expérience enrichissante et agréable pour les deux parties. Avec de la pratique, vous serez bientôt en mesure de capturer des images dignes des plus grands magazines.